プロジェクト・ヘイル・メアリー

『プロジェクト・ヘイル・メアリー』は、アンディ・ウィアーの小説が刊行される前から映画化権が動いていた。『オデッセイ』に続き、科学寄りSFを映画にする流れの中で企画が進んだ。

脚本には『オデッセイ』を映画化したドリュー・ゴダードが参加している。アンディ・ウィアー作品の科学説明とユーモアを、再び映画向けの会話劇へ変換する役割を担った。

ライアン・ゴズリングは主人公ライランド・グレース役だけでなく、プロデューサーとしても参加している。宇宙で目覚める教師の物語を、主演俳優が企画面でも背負う形になった。

撮影は英国で行われ、シェパートン・スタジオのほか、ポーツマスやケンブリッジ周辺なども使われた。宇宙SFでありながら、地上パートには英国ロケの現実感も混ざっている。

ヘイル・メアリー号の内部場面は、実物セットを組んで撮影されたとされる。宇宙空間はVFXが欠かせない一方、俳優が触れる場所には物理的な船内空間を用意したのだ。

制作側は実物セットや黒背景、インタラクティブな光を重視した一方で、宇宙外景や除去処理には多数のVFXが使われたと説明されている。つまり売りはVFXを隠すための実撮影であって、VFX排除ではない。

本作はIMAX上映を意識した撮影方式が語られており、宇宙空間の広がりを大きな画面で見せる作りになっている。閉じた船内劇でありながら、巨大スクリーン用の宇宙映画として設計された。

『プロジェクト・ヘイル・メアリー』は科学考証の強いSFとして語られるが、映画化では演出上の整理や仮説的な表現も含まれる。科学っぽいから全部現実と断定するのではなく、理屈を楽しむSFとして見るのが安全だ。

アンディ・ウィアーの小説『プロジェクト・ヘイル・メアリー』は、刊行前の段階で映画化権が300万ドル規模で売れたとされる。原作が世に出る前から、次の大型SF映画候補として期待されていた。

サンドラ・ヒュラーはエヴァ・ストラット役としてキャストに加わった。宇宙船内の孤独な物語に見えて、地球側の意思決定を背負う冷徹な司令塔も重要な役割を持つ。

撮影はシェパートン・スタジオだけでなく、ポーツマスの桟橋やケンブリッジ周辺の電波天文施設などでも行われた。宇宙映画でありながら、地上の科学施設の空気も取り込んでいる。

実物セット重視が語られる一方で、宇宙外景や宇宙船ショットにはILMなどのVFXが関わったとされる。手触りのある船内と、デジタルで広がる宇宙を組み合わせた作品だ。

ロッキーの表現には、パペット的な実演とデジタルアニメーションの両方が使われたとされる。顔のない異星人を感情豊かに見せるため、古い人形劇と最新VFXを混ぜている。

音楽は『スパイダーバース』系でもロード＆ミラーと縁のあるダニエル・ペンバートンが担当した。科学SFの緊張感と相棒ものの温かさをつなぐ、音の空気作りも重要な要素だ。

本作は米国・カナダではAmazon MGM Studios、その他地域ではSony Pictures Releasing Internationalが配給を担った。配信企業の映画でありながら、劇場公開を大きく展開する体制が組まれている。

ファーストコンタクト場面には、『未知との遭遇』オマージュが仕込まれているとされる。しかもロード＆ミラーの発言では、発案はスティーブン・スピルバーグ本人だったという話になっている。

背景に一瞬だけ映るモニターの数字まで、科学考証の対象だったとされる。原作者アンディ・ウィアーは、数秒の数値表示のために長時間計算したと語っている。

映画版では、原作の一部設定を使わずにグレースが宇宙へ行く流れを組み直している。原作者自身も、映画のより自然な強制参加の構図には感心したと語っている。

ペトロヴァ・ラインの神秘的な映像は、単なる合成だけで作ったものではない。見えない光や水越しの歪みを使う赤外線撮影の工夫が、独特のゆらぎを生んだとされる。

ロッキーは完成画面だけの存在ではなく、撮影現場でライアン・ゴズリングの相手役になるよう作られた。顔のない異星人を成立させるため、本当に相手役として存在したことが大きかった。

ロッキーの印象的な手のギャグには、パペットの動かしにくさも活かされている。自由に何でもできないからこそ、パペットの不自由さがキャラクターのクセになったのだ。

本作には思わぬ形でメリル・ストリープが紛れ込んでいる。ただしロッキー本体の声ではなく、翻訳システムの音声候補としてのカメオ参加だ。

ロッキーとの会話の一部では、現場でゴズリングの娘たちが声の相手役になったとされる。画面に残る自然な反応の裏に、家族とのやりとりが混ざっている可能性がある。

完成版の長さは最初から決まっていたわけではない。監督発言によると初期には3時間45分版が存在し、そこから物語の焦点を絞るために削り込まれていった。

現在と過去をつなぐ画の揺らぎには、撮影監督が呼ぶ“スクービー・ドゥー効果”が使われたとされる。記憶の不安定さを、撮影工程そのものに焼き込む発想だ。

音楽は既製のSF音色だけで作られたわけではない。ダニエル・ペンバートンは木や水、身近な生活音まで使い、未知の友情を鳴らす自作の音の絵の具として組み込んだ。

ロッキーは画面上ではデジタルに見えるため、フルCGキャラクターだと思われることがある。しかし制作記事では、現場パペットや演技を土台にしたハイブリッド表現として説明されている。

「グリーンスクリーンなし」という宣伝文句から、VFXがほぼ使われていないと誤解されることがある。実際には宇宙外景やロッキー、セット拡張などに大規模VFXが使われたとされる。

フィル・ロードは試写や上映に紛れ込み、観客が同じ箇所で笑い、同じ箇所で静まり返る反応を見たと語ったとされる。奇妙なSF設定の奥に、客席全体が同じ感情で動く瞬間を狙っていたことがうかがえる。

クリストファー・ミラーによると、ロッキー側の視界を少しストレンジに見せるため、撮影監督グレイグ・フレイザーが安価な虹色レンズフィルターを見つけたという。そこから映画全体のレインボー効果がテーマとして広がったとされる。

地球での重要場面の撮影中、背景に虹が出たため、制作側はカメラ位置を動かして虹を画面に入れたとされる。さらに最後の撮影日にも虹が現れ、偶然の虹モチーフが現場の記憶として残った。