モアナと伝説の海

企画当初、物語の中心にいたのは半神マウイだった。ロン・クレメンツとジョン・マスカーは2011年にフィジー、サモア、タヒチなどを訪れ、航海術を誇りとして受け継ぐ人々や、地域を支える力強い女性たちと出会った。その経験から、マウイの神話を外側から描く企画ではなく、少女モアナが自分の祖先の航海文化を取り戻す物語へ軸が移った。ロケーション調査が、主人公とドラマの目的を丸ごと変えたのである。

サモア、タヒチ、モーレア、フィジーなどから、人類学者、歴史家、言語学者、振付家、熟練航海者、伝統刺青の専門家が文化監修へ参加した。助言の範囲も衣装や家屋だけに限らず、マウイの体、踊りの動き、神話の扱い、歌詞の言葉にまで及んだ。画面の文化要素を、複数の太平洋諸島の知識で何年も点検した制作体制である。

初期のストーリーには、腹を立てたモアナがヤシの実を砂へ投げる芝居があった。オセアニア・ストーリー・トラストのディオンヌ・フォノティは、島の暮らしを支える大切な食べ物を無駄にする行為として異議を示した。制作側はその指摘を受け、場面を完成版から外した。活発な少女らしさを示す一瞬の動作でも、共同体の価値観と食生活に反するなら残さないという判断だった。

「われらは海へ」で描かれる祖先の航海者たちは、初期案では顔料や大きな頭飾り、装身具を身に着ける予定だった。オセアニア・ストーリー・トラストは、それでは実際の航海作業に向かず、海の上でタキシードを着るようなものだと助言した。完成版の船上では、装飾を見せる正装ではなく、帆や綱を扱える実用的な姿へ改められている。華やかさより、航海する人間の身体を優先した修正である。

初期のマウイは、完成版より小柄で髪のない姿だった。タヒチの文化実践者ヒナノ・マーフィーは、半神の力である「マナ」を示す髪が必要だと繰り返し助言し、制作側は約一年進めていた坊主頭のデザインを捨てた。長い巻き髪は水、風、激しい変身に合わせて動かす必要があり、技術チームには大きな負担となった。それでも文化的な意味を優先した結果、髪のシミュレーション自体を作り直すことになった。

監督たちがモアナに求めたのは、海を泳ぎ、木へ登り、崖から飛び込み、強風の中で帆や櫂を扱っても説得力がある身体だった。アニメーターは動作の中で筋肉や重心が成立するかを確かめ、細身の姫ではなく、脚と腕に力を感じる造形へ整えた。冒険の能力を台詞で説明する前に、身体そのものが航海者であることを示している。

監督たちは企画の早い段階から、モアナの成長を恋愛で完結させない方針を持っていた。マウイは年上の救世主でも恋の相手でもなく、力はあるが自信を失った相棒として置かれた。モアナは誰かに選ばれるのではなく、航海術を学び、共同体を導く役割を自分で引き受ける。首長の娘を「姫」と呼べる設定は残しつつ、物語の骨格は恋愛劇ではなく航海者の英雄譚にしたのである。

ストーリー部門は、絵コンテと仮音声で映画全体を約8回組み立てた。3〜5年の開発期間には約12回の社内上映を行い、そのたびにビートボードと脚本を再構成したという。長編アニメは完成したカットを大量に捨てるほど費用がかかるため、物語の「編集室」は本番アニメーションより前に置かれる。主役、相棒、動物、クライマックスが何度も変わったのは、この全編単位の試作を繰り返した結果である。

最初の脚本家はタイカ・ワイティティで、その後にパメラ・リボン、ジョーダンとアーロン・カンデル、ジャレド・ブッシュらが時期を分けて参加した。ブッシュによれば、脚本家はストーリー部門より少し先を走るが、提出した台詞がそのまま確定するわけではない。絵コンテ担当が人物の感情と動きを描く横で、仮台詞を入れ、上映後の議論でまた書き直した。完成稿から映像を作るというより、絵と台詞が互いを押し返しながら形になった脚本である。

ストーリーアーティストのデヴィッド・デリック・ジュニアはサモアに祖先を持ち、本作へ参加するため別の会社からディズニーへ移った。最初に行ったのは、アメリカへ渡った最初のサモア系祖先の墓を訪ね、墓碑の拓本を取ることだった。その紙を制作中ずっと机の上に掲げ、何のために物語を作るのかを忘れないようにしたという。モアナが洞窟で祖先の船団を知る場面には、担当者自身が系譜をたどった経験も重なっている。

初期のヘイヘイは、首長の番犬のようにモアナを監視する、威張った意地悪な鶏だった。しかし物語の改稿を重ねるうちに役割を失い、キャラクターごと削除される寸前まで追い込まれた。少人数のストーリーチームは、単に知能を下げるだけでなく、航海中のモアナへ余計な仕事を増やす存在として再設計した。石を食べ、海へ飛び込み、心まで飲み込もうとする行動は、ヘイヘイを残すために考えた「役に立たないことが役割」という解決だった。

削除寸前だったヘイヘイを、航海を複雑にする愚かな相棒として残す案がまとまると、ストーリーチームは祝賀ランチを開いた。デイヴ・ピメンテルによれば、そのとき用意した料理はフライドチキンだったという。キャラクターの生存を祝う一方で、献立は同じ鶏という制作現場らしい悪ふざけである。完成版のヘイヘイが危険に遭うたび、作り手側にもこの黒い冗談があったことになる。

海を意思ある登場人物にすると、ひとつ大きな問題が生まれた。道路そのものが主人公を好きで自由に動かせるなら、危険な航海を海がすべて解決できてしまう。ストーリー部門は海がモアナを選び、必要なときに押し戻す一方、方角を学ぶことや失敗から立ち直ることまでは代行しないよう、助ける範囲を制限した。海の優しさと旅の困難を両立させるための脚本上の規則である。

監修アニメーターのマック・カブランは、ドウェイン・ジョンソンの録音ブースへ約4時間同席した。目的は録音時の動きをそのまま一対一でなぞることではなく、眉の上げ方、笑いの間、体の向きを変える癖など、本人らしさが現れる細部を見つけることだった。アニメーターはその観察を、巨大な半神の体格と芝居へ選択的に移した。マウイの自信満々な身ぶりには、声だけでは記録できないジョンソンの動きも混ざっている。

英語版モアナ役の候補には、太平洋諸島から数百人の少女が集まった。ハワイ出身のアウリイ・クラヴァーリョは当時14歳で、配役担当のレイチェル・サットンが最後に会った候補だった。地元チャリティー公演用のオーディション映像がきっかけとなり、映画出演経験のない高校生が台詞と歌の両方を担う主役に選ばれた。モアナとほぼ同世代の声が、完成版の若さと迷いを支えている。

共同アニメーション責任者ハイラム・オズモンドによれば、本作のアニメーターは合計93人だった。物語開発中は多くのスタッフが『ズートピア』（2016）を担当していたが、制作終盤にはディズニー・アニメーションの全アニメーターが何らかの形で本作へ参加したという。海、長い髪、タトゥー、群衆を含む難しいショットを締切までに完成させるため、通常の担当境界を越えて人員を集めた。

意思ある海の演技は、水シミュレーションだけでは作れなかった。まずキャラクターアニメーターが、顔のない水に感情が伝わる形とタイミングを付ける。その後、効果部門が波紋、泡、しずく、重力に従う崩れ方を加え、必要なら演技側へ戻して形を直した。モアナと水が手を合わせるような場面では、人物の手の位置を検出して水の反応を始める仕組みまで使い、芝居と流体を一体化している。

海との相互作用が必要なショットは900を超えた。対象は遠景の外洋だけでなく、船の航跡、しぶき、波打ち際、水の壁、人物に触れる意思ある海まで含まれる。異なる種類の水を毎回個別に作るのではなく、大きな水面と局所的な変形を組み合わせて下流工程へ渡せる専用パイプラインを開発した。当時のスタジオにとって、規模も種類も最大の水プロジェクトだった。

海の流体計算には、水の動きを計算する社内製シミュレーションエンジン（ソルバー）「Splash」が使われた。制作チームはこれを3DCGソフトHoudiniの動力学環境へ統合し、外洋の波、船首のしぶき、白波などを同じ工程で扱えるようにした。効果アーティストがHoudini上で形やタイミングを調整でき、広い海と演出された局所的な水を往復して直せる基盤になった。

外洋で船が進むショットは350を超え、毎回航跡を一から作る方法では間に合わなかった。効果チームは船の速度と進路を受け取り、水面のへこみ、白い泡、細かな飛沫、霧を手続き的に発生させる航跡リグを用意した。各ショットでは自動生成を出発点にしつつ、波の大きさやカメラ位置に合わせてアーティストが調整できる。モアナの船の後ろに残る白い筋は、物語の移動量を支える大量生産の仕組みでもある。

モトゥヌイの砂浜では、波が寄せて引くだけでなく、通過後の砂の色まで変わる。効果チームは波が触れた場所を上から見た画像へ記録し、さらに濡れてからの経過時間を持つ「年齢マップ」を作った。その情報を砂のシェーダーへ渡すことで、濡れた直後の濃い色から乾いた明るい色へ徐々に戻している。波と砂を別々に作るのではなく、直前に起きた水の動きを地面が記憶する仕組みである。

通常は人物や船のアニメーションを決めてから水を計算するが、本作では水を先に作る逆向きの工程も使われた。礁湖では承認済みの波へ船体を沿わせ、テ・カーの溶岩弾では低解像度の衝撃波を先に計算して、モアナと船が重さに反応する動きを付けた。最後に高解像度の水、泡、霧、しぶきへ置き換え、芝居と波が同じ動きを共有するようにしている。

幼いモアナの前で海が左右へ分かれる場面は、巨大な水が迫る恐怖ではなく、水族館を覗くような美しさを目標にした。水壁の表面を滑らかにし、泡や魚が見える透明感を残したうえで、通常より屈折を弱めて遠くまで見通せるようにした。物理的に正しい水なら背景は大きく歪むが、それでは幼いモアナと観客の視線が遮られる。海との最初の出会いに限って、正確さより親しみやすさを優先した設計である。

幼いモアナの周囲で海底に揺れる光は、光が水へ入り、反射と屈折を繰り返して海底へ集中する経路をフォトンマッピングで計算した。広い海すべてへ同じ処理をかけると重すぎるため、必要な領域だけ光子を追跡し、アニメーターが模様の強さや動きを調整できるようにしている。物理計算と演出の両方が入った光である。

海や自然現象の計算量は、制作終盤に最大約7万6000コア規模へ達したと技術取材で報じられている。外洋の大きな水面だけでなく、泡、細かな飛沫、人物との衝突、濡れた髪まで同時に扱うため、ひとつのショットでも複数の計算が必要になった。画面では透明で軽く見える水ほど、形を保ち、光を通し、周囲へ反応させる処理が増える。南国の海の明るさは、大規模な並列計算の上に作られた。

モアナの巻き髪には、直線的な毛束を曲げる従来方式では不自然なねじれが出た。技術チームはエラスティック・ロッドモデルを開発し、その情報を束ごとのガイドへ渡した。カールが潰れた後に戻る力、濡れたときの重さ、肩や背中との接触を同じ仕組みで扱える。一本ずつ描き込むのではなく、巻き髪の弾力そのものを計算対象にした。

舞台の多くが屋外にあるため、髪は人物の動きだけでなく、海風へ常に反応しなければならなかった。ほぼすべての髪のショットに風の場が使われたのは、当時のスタジオで初めてだった。穏やかな揺れから嵐まで強さを変え、さらに人物や物体の風下では風が弱まる「風の影」を計算する機能も加えた。髪の動きが、画面に見えない風向きと遮蔽物の位置まで伝えている。

ミニ・マウイは、エリック・ゴールドバーグとチームが紙に鉛筆で描いた手描きアニメーションである。線画をスキャンし、デジタルで清書と彩色を行ったあと、マウイのCGモデルへ貼る必要があった。技術ディレクターは体を腕、胸など12の領域に分けたテンプレートと操作画面を作り、2D担当者が貼る場所を選べるようにした。さらにCGアニメーターが芝居を磨く段階から線画を確認できるようにし、皮膚の伸縮と手描きの形を同時に調整した。

タパ布に描かれた人物も、手描きアニメーションで動いている。ストーリー・アーティストのデヴィッド・デリック・ジュニアは家族とサモアを訪れ、植物と染料から布を作る工程を学んだ。その経験を基に、手描きの人物を布の繊維、にじみ、限られた色へ合わせた。マウイの体だけでなく、共同体が記憶を残す布の上でも手描きの絵が物語を進める。

マウイの全身には、太陽を捕まえたこと、島を引き上げたこと、人々へ火を与えたことなど、過去の功績が刺青として刻まれている。装飾ではなく、神話上の英雄が自分で語る「履歴書」に近い。「俺のおかげさ」では、その記録が動き出し、本人の自慢話を映像で補足する。一方のミニ・マウイは失敗や迷いも示し、刺青の中から本人へ異議を唱える良心になった。

テ・カーは100を超えるショットに登場し、通常の人物モデルへ炎を足すだけでは作れなかった。溶岩の皮膚、表面を走る火、稲妻、熱い噴煙、火砕流のような雲を別々に生成し、手続き型リグで一体へまとめた。煙の内部にも細かな照明を入れ、発光する溶岩が周囲の雲と海を照らすよう調整している。人型の芝居を保ちながら、常に形が崩れ続ける火山現象として成立させたキャラクターである。

カカモラの追撃場面は、小さな敵をたくさん置くだけでは完成しない。多数のキャラクター、三つに分かれて組み替わる船体、帆、縄、発射物、外洋の波としぶきを、同じショットの中で動かす必要があった。制作チームは軽量な代理表示を使い、レイアウト、アニメーション、群衆、効果、照明の各部門が同じ船を参照できる専用セットを構築した。短い追跡劇へ、群衆アニメーションと機械的変形と水計算が集中している。

楽曲チームは、ブロードウェイの物語歌を得意とするリン＝マニュエル・ミランダ、テ・ヴァカを率いて太平洋諸島の言語と音楽を伝えるオペタイア・フォアイ、映画全体の劇伴を担うマーク・マンシーナという三人の音楽家で構成された。三者はカリフォルニア、ニューヨーク、オーストラリアなど離れた場所でも素材を交換した。マンシーナは歌曲の旋律や打楽器を劇伴へ戻し、歌が終わっても同じ音楽文化が続くようにした。

オペタイア・フォアイが本作のため最初に書いた曲は、2013年12月に生まれた「われらは海へ」（2016）だった。歌にはサモア語とトケラウ語が使われ、後半でリン＝マニュエル・ミランダの英語詞とつながる。太平洋の観客が自分たちの物語だと感じられる響きを先に置き、その旋律を作品の航海精神の基準にした。

タマトアの「シャイニー」（2016）は、悪役らしい重い歌ではなく、光る外見を自慢するグラムロックとして書かれた。リン＝マニュエル・ミランダは参照した音楽家として、デヴィッド・ボウイだけでなくルー・リードやイギー・ポップも挙げている。ジェマイン・クレメントの低い声と芝居に合わせ、派手な表面と自己陶酔が増幅する曲調にした。

祖先の航海者たちは星を読んで海を進むため、背景の夜空も現代の星図をそのまま置くわけにはいかなかった。制作側は天文学者へ依頼し、約2000年前の太平洋諸島からどの星が見えたかを調査した。画面では星空が美しい背景であると同時に、方角と季節を知る航海の道具になっている。「われらは海へ」の船団が見上げる空は、物語の時代に合わせて組まれた星図である。

モアナが星の高度を手の幅で測る動作には、復元航海カヌー「ホクレア号」の航海術が入っている。脚本家アーロン・カンデルは若い頃にポリネシア航海協会で活動し、ホクレア号に乗った経験があった。うねり、風、鳥の動きから進路を読む知識も脚本と作画資料へ加えられ、20世紀に復興された伝統航海の実践が画面につながっている。

本作は、ディズニーの長編アニメーションとして初めて全編をタヒチ語へ翻訳・吹替した作品となった。タヒチではフランス語版も公開されたが、制作側はそれとは別に、物語の文化圏に近い言葉で登場人物が話し、歌う版を用意した。英語版を世界へ配るだけでなく、調査と助言を受けた地域へ作品を言語として返す試みである。その後にはマオリ語版やハワイ語版も作られ、太平洋諸島の言語による展開が続いた。

日本語版モアナを演じた屋比久知奈は、当時大学生で、声優の仕事は本作が初めてだった。本人は家族と予告編を見て「公開されたら観よう」と話していた作品の主役へ選ばれた。公開前の曲を外で漏らせないため、通学中の車内で思い切り練習したという。台詞だけでなく「どこまでも ～How Far I’ll Go～」（2016）の歌唱も担った。

ポリネシアの移住史には、西側の島々へ到達した後、東方への大規模な航海が長く途絶えた「ロング・ポーズ」と呼ばれる空白がある。再開の理由には風や海流、社会変化など複数の説があり、現在も単一の答えはない。映画はこの考古学上の空白を、マウイが心を盗んだ後に船が帰らなくなり、モトゥヌイの人々が礁の外へ出なくなった歴史へ組み替えた。

最初の脚本を書いたのは、ニュージーランドの映画監督・脚本家タイカ・ワイティティだった。その版のモアナには五、六人の兄弟がいて、男子に劣らないことを証明する要素が物語へ入っていたという。制作が進むと兄弟と性別競争は外され、恋愛にも対抗者にも頼らず、祖先の航海文化を取り戻して指導者になる物語へ組み直された。ワイティティ自身は、完成版に残った自分の文章はほとんどないと後に冗談交じりに語っている。

初期案では、豚のプアも船へ乗り込む予定だった。ところが親しい相棒がそばにいると、モアナが故郷の安心を完全には手放さずに済んでしまう。英雄の旅では慣れたものを置いて出る必要があるとして、プアは島へ残され、偶然乗り込んだうえに世話まで必要なヘイヘイだけが航海へ同行した。スタジオ内ではプアを連れて行くよう求める声が出るほど、人気のない決定だったという。

カカモラが巨大な船を組み替えながらモアナたちを追う場面は、『マッドマックス 怒りのデス・ロード』（2015）を海上へ移したオマージュである。ジョン・マスカーとロン・クレメンツは同作を気に入り、怪物車両の隊列、太鼓、速度を、ココナツの鎧を着た小さな戦士と船の連結へ置き換えた。かわいらしい外見と容赦なく畳みかける追跡演出の落差は意図的だった。

2016年、ディズニーはマウイの刺青と褐色の肌を一体化した子ども用の全身衣装を販売した。これに対し、ポリネシア人の身体や肌の色そのものを仮装へ変える商品だという批判が起きた。ディズニーは文化を尊重する意図だったと説明しながら、不快感を与えたことを謝罪し、衣装の販売を中止した。文化監修を重ねた映画でも、商品化では別の問題が生じた例である。

制作側はサモア、タヒチ、モオレア、フィジーなどの専門家を集めたが、公開前後には、広い太平洋地域の文化を一つの架空社会へ混ぜたことや、マウイを大きな体で描いたことへの批判も出た。監修参加者の中には、マウイの体格を強さと存在感の表現として擁護する声もあった。監修と批判が同時に存在したうえ、太平洋諸島出身者の間でも評価は一様ではなかった。

原題は主人公名だけの『Moana』だが、欧州の多くでは商標上の事情から主人公名と作品名が『Vaiana』へ変わった。イタリアでは映画名を『Oceania』とし、主人公はヴァイアナと呼ばれる。日本版は人名を残しながら『モアナと伝説の海』という副題を加えた。同じ映像でも、地域によって呼び名や歌詞まで差し替わる作品である。

脚本家バック・ウッドールは、自身のサーファー少年企画『Bucky』から登場人物や展開を盗用したとしてディズニーを訴えた。2025年3月、ロサンゼルスの連邦陪審は、2016年版の制作者がその企画へアクセスした証拠を認めず、著作権侵害ではないと判断した。疑惑が提起されたことと、盗作が裁判で認定されたことは別であり、2016年版についての評決はディズニー側勝訴である。

カカモラの一体には『ベイマックス』（2014）の顔が描かれ、タパ布には『アナと雪の女王』（2013）の雪男マシュマロウと『リトル・マーメイド』（1989）のフランダーが紛れている。さらにエンドクレジットには『シュガー・ラッシュ』（2012）のラルフが登場する。この四つのカメオは、単なるファンの見間違いではなく制作側が存在を明かしている。

モアナの父トゥイの台詞はニュージーランド出身の俳優テムエラ・モリソンが演じるが、「いるべき場所」（2016）の歌唱は舞台俳優クリストファー・ジャクソンが担当した。ジャクソンはリン＝マニュエル・ミランダ作品の常連で、『イン・ザ・ハイツ』（2008）や『ハミルトン』（2015）にも出演している。会話と歌で別人の声を使いながら、一人の父親として続くよう調整された。

イタリアで作品名を『Oceania』へ変更した理由を、同国の成人映画俳優モアナ・ポッツィとの混同回避だけで説明する説がある。名前が重なるため配慮した可能性はありそうだが、ディズニーが公式理由として明かした資料や、命名担当者の発言は見つかっていない。商標や地域展開など別の事情もありえるため、一つの理由へ決めない方がよさそうだ。